cANINOS bRANCOS

Caninos Brancos tem um dos inícios mais tensos já escritos em uma história de aventura. Sua primeira parte inteira, que engloba os capítulos No Rastro da Caça, A Loba e O Uivo da Fome, transcende o sentido literário.

A narrativa construída por Jack London é verdadeira obra-prima que prenuncia a ação de cinema. O que prova que o escritor faria promissora carreira em Hollywoood, se para lá aportasse. História perfeita para a Disney filmar.

São capítulos com tanto movimento que, no início do século, para o público leitor, devem ter valido pela emoção provocada pelas cenas de perseguição de automóveis de Steve McQueen em Bullitt, décadas avante. Ou as lutas do valentão John Wayne para dizimar os povos indígenas ameríndios.

Mas a realidade do livro é bem outra. Alasca. Final do século 19. Corrida do ouro. Gelo. Escassez de caça. A fome ronda as florestas. Dois homens, que transportam um esquife funerário, e os seis cães, que puxam o trenó, são acossados por uma matilha de lobos famintos liderada por Kitch, astuciosa loba. London, com sua experiência de garimpeiro no Klondike, não apenas conta a história - faz com que a gente não queira estar na pele dos homens.

O talento de Jack London para contar histórias é inimitável: mantém o suspense do leitor cerzindo as informações como um novelo de lã que se transforma em pulôver. Sempre que apropriado, fornece o seu famoso ponto de vista social, sem ser chato. Suas narrativas, além de aventurescas e libertárias, têm sempre o caráter jornalístico.

O espírito aventureiro de London tocou diretamente outro Jack, o Kerouac; a investigação jornalística posta em prática pelo escritor em livros como O Povo do Abismo, no qual denuncia a situação dos moradores de rua de Londres, inspirou, mais tarde, o chamado "jornalismo participativo".

Na edição da Melhoramentos, os predicados jornalísticos originais do livro ganham força redobrada e as páginas, em papel couchê, beleza singular. Por ter ilustrado O Chamado Selvagem, outro livro de London que integra a série de obras universais da editora, Phillippe Munch foi chamado para criar o deleite visual de Caninos.

Munch optou por desenhos grandes e cheios de detalhes. Da orelha à contracapa, pinta impressionantes cenários que transportam o leitor para a atmosfera gelada do extremo norte e o faz participar da vida dos índios e dos garimpeiros. Philippe Jacquin, especialista em América do Norte, descreveu e comentou, em cada página e com bastante propriedade, documentos e objetos da época da corrida do ouro.

Caninos Brancos não é apenas a história de um cão-lobo que vê o mundo sob a ótica sórdida do Deus-Homem. No epílogo, há redenção. Em poucos parágrafos, Jack London descreve a regeneração moral do personagem Jim Hall, que pode ser facilmente interpretada, na verdade, como um apelo à regeneração social de todos os marginais humanos.

London acreditava na regeneração do homem, mas não pôde salvar a si próprio. Alcoólatra debilitado, morreu aos 40 anos, possivelmente por excesso de automedicação de morfina, não se sabe se intencional ou não. Deixou um legado único, como observa o escritor E. L. Doctorow:

"Nunca foi um pensador original, mas um grande devorador do mundo, física e intelectualmente. Era o tipo de escritor que, em qualquer lugar que estivesse, jogava os próprios sonhos na situação do momento. Era um esforçado gênio literário que sabia, por instinto, que a literatura era uma anfitriã generosa, que sempre tinha lugar para mais um à sua mesa". Sua obra permanece viva em dezenas de livros.

No próxima parada, aprecie o trecho inicial do primeiro capítulo de Caninos Brancos. Depois, prossiga na aventura conhecendo algumas das principais obras de Jack London. A imagem que ilustra o post seguinte foi feita por Phillipe Munch para a edição da Gallimard.

nO rASTRO dA cAÇA

Uma densa floresta de abetos margeava sombria o rio congelado. Há pouco, um vento despira as árvores de seu manto alvo e nevoso; pareciam curvar-se, hostis e agourentas, uma diante da outra à luz que definhava. Um silêncio profundo reiriava sobre a terra. Desolação, estupor, estagnação, extrema solidão e frieza era a terra que nem mesmo a tristeza era maior no seu espírito.

Havia nele uma insinuação de riso, mas de um mais terrível do que qualquer tristeza - um riso tão melancólico quanto o da esfinge, um riso tão cortante quanto a geada que comungava com o lúgubre da infalibilidade. Era a sabedoria despótica e inefável da eternidade escarnecendo da futilidade da vida e de seus esforços.

Era o Wild, o selvagem, o Norte de coração gélido. Mas havia, sim, vida por toda a parte, desafiadora. Uma fileira de cães-lobos descia lentamente o rio petrificado. Tinham os pêlos eriçados cobertos de neve. 0 hálito que subia de suas bocas congelava-se no ar, fundia-se em jorros de vapor que iam depositar-se sobre a pelagem de seus corpos transmutados em cristais de gelo. Os cães tinham coalheiras de couro, e de couro também eram os tirantes que os prendiam ao trenó que arrastavam atrás de si.

Era um trenó sem patins, com sarrafos de casca de vidoeira maciça cuja superfície repousava na neve. A proa dobrava-se como um pergaminho, permitindo-lhe pressionar e transpor por debaixo a massa de neve que se insurgia como ondas à sua frente. Dentro do trenó, firmemente amarrada, havia uma caixa comprida, estreita e oblonga.

Havia outras coisas no trenó: cobertores, um machado, um bule de café e uma frigideira; todavia, o que mais chamava a atenção, ocupando quase todo o trenó, era a caixa comprida, estreita e oblonga.

À frente dos cães, um homem com largas raquetes nos pés caminhava penosamente. Atrás do trenó seguia também com esforço segundo homem. No trenó, dentro da caixa, jazia um terceiro homem cuja lida havia se se encerrado - um homem a que o Wild subjugara e abatera de tal maneira que jamais se levantaria e nem lutaria outra vez. Não é próprio do Wild a afeição pelo movimento. A vida constitui-lhe um insulto, pois que se move; e o Wild tem como meta a destruição.

Ele congela a água pra que não corra para o mar; suga a seiva das árvores até emperdernir-lhes o coração com sua frialidade. Nada, no entanto, é mais feroz e terrível do que o modo esmagador com que sujeita o homem - o homem, a mais desassossegada das formas de vida, sempre em revolta com a máxima de que todo movimento, por fim, cessará.

7 oBRAS dE jACK lONDON

O Tacão de Ferro (Boitempo)

Romance visionário de Jack London escrito em 1907. Admirado por nomes como Anatole France e Leon Trotski, O Tacão de Ferro descreve uma insurreição a qual teria ocorrido entre 1914 e 1918, nos Estados Unidos, e que previa um confronto colossal entre capitalistas e a classe trabalhadora.

Nas edições lançadas anteriormente em português, o prólogo era normalmente omitido, o que tornava incompreensível a profusão de notas. Ciente da lacuna, a editora Boitempo não apenas recuperou o formato original como acrescentou um prefácio de Anatole France, escrito em 1923, e um posfácio assinado por Leon Trotski, em 1937.

O livro ganhou importância com o tempo, quando nomes consagrados reconheceram seu valor. O autor de 1984, George Orwell, contava que a leitura, nos anos 1940, de O Tacão de Ferro deixou-o profundamente impressionado.

O Povo do Abismo: Fome e Miséria no Coração do Império Britânico (Perseu Abramo)

Jack London também foi jornalista e destacado militante socialista nos Estados Unidos no começo do século 20, além de defensor ardoroso de mudanças na sociedade. Em 1902 foi à Londres, então principal metrópole do capitalismo mundial, para ver como viviam as pessoas degredadas pela máquina industrial do Império Britânico. Desempregados, doentes, idosos e pobres em geral. Foi viver entre eles no East End londrino, região da cidade onde a pobreza se concentrava. É esse relato sincero, contundente e revelador que deu origem a O Povo do Abismo, retrato sem retoques da injustiça social e da miséria no centro do império mais poderoso da época.

Lobo do Mar (Martin Claret)

Em 1904, quando lançou O Lobo do Mar, um de seus maiores sucessos, London consagrou um estilo em que explorava sua desolada infância e adolescência e as experiências que viveu tanto no mar como em terra firme. Em 1894, jurou encontrar meios para sair da pobreza, da servidão do trabalho braçal e da degradação social.

A Praga Escarlate (Conrad)

A Praga Escarlate foi escrito no conturbado período da vida de London que precedeu seu suicídio, cometido em 1916. Demonstra toda a aflição do escritor diante do destino da humanidade mergulhada na Primeira Guerra Mundial. London aprofunda uma tendência primitivista em sua literatura e cria um espetacular romance sobre o fim dos tempos: a história de uma praga súbita que dizima os seres humanos em minutos faz do auge da civilização industrial o terreno para um princípio de devastação. Partindo de uma reflexão sobre as condições de vida na sociedade moderna, passando pela crítica sobre a cidade urbana, o livro é contado segundo a vivência de um sobrevivente da praga escarlate. Até o Brasil está na história.

Antes de Adão (Lp&M)

Neste impressionante ensaio, Antes de Adão, o escritor fala do que chama de "personalidade dissociada": o "Dentuço", ser pré-histórico pertencente ao povo das cavernas, que teria vivido há milhões de anos e transmitido intactas suas impressões e vivências ao cérebro de Jack. A descrição exata e a emoção permanente fazem deste livro um fantástico relato de aventuras.

Memórias Alcoólicas de Jon Barleycorn (Paulicéia)

Jack London foi uma personalidade fantástica — corporificou a aventura, o destemor, a obstinação, a resistência física, o orgulho & inteligência. Mas Memórias Alcoólicas (não originalmente publicado como um apanhado de memórias e, sim, no formato de periódico, em fascículos) é o relato de todas as etapas que conduziram um ser não-alcoólico, London, a submeter-se a John Barleycorn, a personificação etílica de seu alcoolismo. A obra narra suas experiências com o álcool desde criança.

É seu livro mais triste, por causa da tremenda honestidade com a qual foi escrito, sem, no entanto, trazer um pingo sequer de auto-comiseração. Durante muito tempo, London confessa: "Beber não foi um ato voluntário, mas imposição, prova de masculinidade e único ponto de encontro de solidariedade humana". E mais:

"Todos bebem; bebe-se por tudo; as lembranças das grandes bebedeiras dão mais prazer que as de todos os demais feitos, verdadeiramente heroicos. John Barleycorn está em todo o lado e obriga os homens mais valorosos (porque os medíocres ele não ataca) a fazerem cenas ridículas, selváticas, assassinas, suicidárias. Entretanto, os sentimentos gloriosos, o brilhantismo das idéias, os poderes ilimitados — tudo isso John Barleycorn vai dando e é por aí que ele é mais condenável".

Curiosamente, até muito tarde na vida, quando London não precisava beber, não bebia. Até o dia em que, revela o o escritor revela, teve o apelo cerebral para embebedar-se — e foi aí que deixou de recear John Barleycorn. Seu trajeto final estava traçado: beber sozinho, todos os dias, cada vez mais e por razão nenhuma, simplesmente pela longa convivência com o álcool:

"Eu estava carregando um belo fogo alcoólico comigo. A coisa era alimentada por seu próprio calor e queimou 'the fiercer'. Não houve nenhum momento, enquanto estive acordado, que eu não quisesse uma bebida. Comecei a antecipar o término de minhas mil palavras diárias bebendo um drink quando apenas quinhentas haviam sido escritas. Isso não durou muito. Chegou o momento em que eu prefaciava as mil palavras com uma bebida".

De Vagões e Vagabundos (LP&M)

"Deixando de lado os possíveis imprevistos, um bom vagabundo, jovem e ágil, pode resistir até o fim num trem, apesar de todos os esforços da tripulação para 'despejá-lo' - dado, é claro, a noite como condição essencial. Quando tal vagabundo, sob tais circunstâncias, decide firmemente que irá resistir até o fim, não há modo legal pelo qual os tripulantes do trem possam desalojá-lo. A menos que apelem para o assassinato. Por isso, muitas vezes, os restos mortais de vagabundos são recolhidos à beira das linhas férreas e uma nota nos jornais menciona que um desconhecido - vagabundo, sem dúvida; embriagado, com certeza - provavelmente adormeceu nos trilhos."

Trecho foi extraído do livro Vagões e Vagabundos, que traz o emocionante ensaio O que a vida significa para mim e o relato Como me tornei um socialista.

lOLLIPOP, cALCINHAS & cOLEÇÕES

a farra gratuita dos downloads romantiza as clássicas dificuldades que o colecionador de discos da velha estirpe dos analógicos tinha que passar, até que um dos bons pousasse em seu "aparelho de som".

Os que restaram desse tipo colecionador, virtualmente extinto, seguem a perscrutar o globo terrestre, entre sebos de & ultramegastores, no encalço do Grande Álbum Perdido.

Sua memória deve ser preservada para as novas gerações, já que seus dias estão mesmo contados. Logo essa busca de fé ficará sob o domínio especializado das confrarias.

Grupos que não vou ajudar a fundar, mas para os quais dou minha total simpatia. É bonito, mas o compartilhamento de arquivos sonoros pela internet é mais lindo ainda. O maior milagre realizado no século passado.

O que o obcecado colecionador fazia outrora não era tão-somente comprar um disco numa loja. Ele, na verdade, empreendia sua destemida caça ao tesouro, com direito a transporte naval ou aéreo até a porta de casa. Encomenda que variava da mais fina pirataria a mais rebuscada edição oficial catalogada - epopéia grega, se comparada às sedutoras facilidades oferecidas por zilhões de enclaves que, de lambuja, entregam o mapa da mina musical nos vastos e navegados mares da rede de computadores.

Há uma década, nem tanto assim (mas um século na senda do progresso tecnológico), conseguir aquele disco raro daquela sua banda favorita que nunca-foi-lançado-no-Brasil-e-nunca-o-seria significava a eternidade. Eternidade com elevado custo para bolsos juvenis vazios, só compensada pelo inigualável deleite místico que vinha como garantia total do produto. Afinal, o fetiche acalentado por meses se materializava com a chegada da sonhada encomenda.

Entregue a mercadoria, o ritual fetichista. Primeiro, a fase da excitação: o desembalar do disco, despido do seu invólucro como a calcinha que, gentilmente, liberta-se das pernas da fêmea pelo controle ávido de suas mãos. A seguir, o aguardado momento de abrir a delicada caixinha: olhos fechados para sentir a flagrância evolada pela sedutora química erótico-serigráfica. Que somente as delicadas circunferências têm – que os discos rígidos nunca terão.

O mínimo a fazer era o amor com a música, como se a mulher amada. Você esperou aquela música cruzar oceanos revoltos de tempo, imensidões e profundezas abissais, para finalmente estar com você, na intimidade, sussurrando melodias ao pé da cama. Entregue-se. Se fuma, siga em frente, acenda um cigarro. Se eu ainda fumasse, acenderia um Marlboro. Deve ser apenas pra isso, sexo & música, que inventaram os cigarros.

Veneno de luxo - O colecionador que se criou chafurdando nas lojinhas de discos do bairro ou do centro da cidade - e de todos os lugares onde botasse os pés -, ainda demorará pra ser extinto. Nas colônias de férias dos colecionadores das antigas nunca faltará uma nova reedição do In-a-Gadda-da-Vida ou uma versão mono remasterizada do The Piper at the Gates of Dawn. Já os colecionadores modernos, terão acesso à praticamente tudo o produzido na música mundial. A lógica, no entanto, é que sem mais ter o que colecionar, a raça dos analógicos finalmente seria consumada.

Os downloaders convictos nunca vão sentir o prazer inigualável que é pagar do próprio bolso por uma obra, seus direitos autorais e impostos embutidos - isto é: prazer livre de culpas. Por outro lado, também nunca saberão o que é ter o bolso ardendo em cerca de R$ 100 a menos por um disco importado. Com tanta dor, o prazer da compra é facilmente sublimável.

Jamais vou esquecer as inúmeras fases de encomenda & esperas pelos discos da minha vida. Em Porto Alegre, entre outras lojinhas, os comprava na acolhedora Toca dos Discos, que até hoje resiste na Rua Garibaldi. Numa ensolarada manhã que brilhava sobre o bairo BonFim, lembro direitinho, arrebatei uma edição poderosa do Slade, a coletânea Sladest!, que ouço muito até hoje.

Na Toca comprei Too Much Too Soon, dos New York Dolls, que ouvi umas duzentas mil vezes para ver se percebia qualquer detalhe novo de alguma guitarra do Johnny Thunders que ainda não havia notado. Mesmo sabendo que grandes detalhes não eram o que se podia esperar daquele disco. O que se podia esperar era uma dose de energia sonora capaz de te fazer levantar, se estivesse sentado, e pular, se estivesse de pé.

Too Much Too Soon era uma encomenda dos festejados tempos em que o dólar valia um por um com o real, por volta de 1992, quando muitos colecionadores obstinados aproveitaram para completar suas intermináveis coleções. Foi a época do regozijo, da maior e mais efêmera glória dos antigos colecionadores de discos de rock, fenômeno que jamais se repetiu no Brasil. Quando a moeda americana voltou a estabilizar-se, foi como se o Crack da Bolsa de Valores tivesse naufragado o negócio dos colecionadores.

Outra loja que ainda está no ramo dos "venenos" - nem sempre baratos -, em Porto Alegre, é a Boca do Disco. A loja pertence ao lendário Getúlio, cuja irmã é casada com Cid Moreira (de onde, vejam só, saiu o capital inicial para o negócio). Até hoje Getúlio vende o seu peixe, ou melhor, o seu churrasco de "raridades", sem abandonar o famoso bordão pelo qual é conhecido: "Leva que esse é costela gorda, magrão!", dispara sempre que fareja uma possível venda.

Não era fácil montar uma coleção de respeito. Houve o tempo em que eu consultava, por telefone (!), catálogos de lojas paulistanas como a London Calling. Com a ressalva de ter que suportar o atendimento ultra-blasé do cara do outro lado da linha – um sujeitinho que, contrariando todos os preceitos universais da mais-valia, não dissimulava o ciúme pela perda de suas "mercadorias". Ressalte-se que a London Calling vendia as edições mais especializadas do ramo. Com preço & antipatia idem.

Os venenos eram trazidos diretamente de quebradas londrinas pra lá de confirmadas. O compartilhamento em massa de arquivos em MP3 deve ter melhorado a educação daquele comerciante com os seus clientes. Ou não - vai saber? Com o tempo, comportamentos ruins só tendem a piorar. De qualquer jeito, o preço por suportar sua soberba afetada foi conseguir um bootleg raro do T.Rex – Rock’n’Roll Satyricon. O som idem: afetado, mas divertidíssimo.

Esses ainda eram os tempos nos quais, se um amigo tivesse um disco e você o queria muito, ele gravava numa fita K7 e te dava. Se fosse gente boa, te emprestava o disco original; e você, por sua vez, sendo colecionador honrado, não se faria de louco, o devolveria. As K7 quebravam o puta dum galho, mas tinham o insuperável problema: eram muito espaçosas. Quando se possuía muitas viravam uma tralha empoeirada. Acho que não serão criadas confrarias para os cassete-maníacos. Desfiz-me de uma mala com umas cem fitinhas e nem senti pena - achava que o mojo um dia gravado nos sulcos magnéticos já havia sido inteiramente absorvido por meus ouvidos & cérebro.

Só em Alvorada - Nos tempos pré-download, só fui ouvir um disco dos Dead Boys por causa de um amigo que tinha uma banda punk, a Unidos pelo Ódio. O nome dele era Julinho. Um cara que morava em Alvorada, lugar tipo New Jersey, na região Metropolitana de Porto Alegre. Espaço perfeito para a proliferação de um status quo legitimamente punk.

O Julinho calçava sapatos que comprava no varejo popular do centro de Porto Alegre, modelagens que ficavam penduradas em fieiras entre jaquetas de plástico e calças de moletom. Pra fazer a cabeça do Julinho, trago de cachaça, cigarros Derby e a parceria com William Caveman pra arrebentar com Heartbreakers, Clash e Sham 69. Fanta Uva, só com pinga. Antes do Julinho aparecer com Young, Loud and Snotty, os Dead Boys eram pra mim apenas um mistério do rock. Podia-se ler tudo sobre eles em Please Kill Me, mas era praticamente impossível ouvir alguma coisa deles em qualquer lugar. Só em Alvorada.

Na faculdade de jornalismo da PUC teve um cara que quase ficou famoso. Tão quase famoso que até hoje é conhecido como "O Cara das Fitas". Nunca ninguém soube seu verdadeiro nome. Certa feita, sua fama lhe precedeu, e virou personagem de tira de história em quadrinhos criada pelo Nik Neves na revista ZE. Chegou a ser personagem do livro Gauleses Irredutíveis. Hoje, pra quem o conheceu, "O Cara das Fitas" representa um paradigma tecnológico.

Nos corredores da Famecos, o tipo fazia suas vítimas como um velociraptor, em grupos ou individualmente, com a persuasiva pergunta, jamais esquecida: "Querem dar uma olhada na minha lista de fitas?". Sua lista de fitas, dita seja a verdade, tinha um monte de coisas legais. O Carlinhos Carneiro comprou uma Basf 90 com os dois Kinks psicodélicos, um de cada lado, Village Green e Arthur. Ficou impressionado como o Blur lembrava os Kinks. Todos queriam piratear sua fitinha.

Por volta de 99, o "Cara das Fitas" foi obrigado a adaptar seu negócio aos novos tempos: "Querem dar uma olhada na minha lista de fitas? Agora também com CDs gravados", reformulava, sem mudar, é claro, o velho e famoso bordão-base.

Para os colecionadores de rock à antiga, convertidos em colecionadores adaptados aos novos tempos, e também para bolsos & ouvidos sensíveis, a internet é o Jardim do Éden. Um presente do Deus do Rock (Elvis?) para os seus súditos.

É bom aproveitar, pois a mamata dos downloads, como tudo o que é bom, não deve durar para sempre. Nunca se sabe, nunca se saberá. Muita grana está em jogo, pra variar. Contudo, levando em conta a lama na qual a indústria fonográfica está afundada até os ossos atualmente, só descendo nas pesquisas, o orgasmo promete ser ainda prolongado: ♪ Let's get it on ♪ Let's get it on!

Um dos álbuns que ficaram pra trás na minha coleção particular dos que "algum dia ainda tenho que ouvir" (coleção que todos devem ter), é Psychedelic Lollipop, dos The Blues Magoos. Apenas efemérides para tentar definir o disco, de 1966, perfeitamente pop e complexo desse quinteto de Nova Iorque - acid pop, rock & blues.

Dessa vez, sem preliminares, só dois pontos: Psychedelic Lollipop abre com a fenomenal "(We ain't got) Nothin' Yet", que entrou no top ten norte-americano e por lá permaneceu de dezembro de 66 a fevereiro de 67. O single da música vendeu um milhão de cópias. A tensão pop-experimental de "Tobacco Road" termina em ruídos sinuosos, enquanto a batida contagiante de "Gotta Get Away" e de "One by One" explica porque estouraram nas paradas de sucesso. "Love Seems Doomed" (a-t-e-n-ç-ã-o para as iniciais!) é uma viagem de amor em paragens lisérgicas.

Não se acanhe e baixe Psychedelic Lollipop. Não é como baixar as calcinhas da garota que você ama, mas a diversão é garantida. Vai por mim.

o cETRO gLITTER*

O fim dos Beatles levou Marc Bolan a liderar na Europa um fenômeno juvenil de proporções colossais: a t.rexmania. Nos anos 70, o frisson em torno da banda T.Rex foi arrasador, a ponto de Paul McCartney comentar que somente ela poderia repetir o histerismo dos fãs do Fab Four.

A reverência a Bolan sobreviveu. Recentemente, o guru do glitter foi capa de uma edição da Mojo Magazine, concorrendo numa eleição das personalidades que tiveram "espetacular carreira em escala global".

O sucesso do T.Rex também chamou a atenção de Ringo Starr, que topou dirigir um filme sobre o grupo pela produtora dos Beatles, a Apple Films. Rodado no Wembley Empire Pool de Londres, Born to Boogie, de 1972, é registro fundamental para compreender o glitter rock. Para o prazer dos beatlemaníacos, algumas locações do filme foram feitas nos jardins da mansão de John Lennon.

O ponto máximo da elegância é Ringo e Elton John tocando juntos na versão incendiária de "Children of the Revolution". Os extras jogam ainda mais purpurina sobre o T.Rex: dois documentários que recuperam cenas excluídas do original, jam sessions raras e depoimentos do produtor Tony Visconti. Deleite certo para os súditos de Marc Bolan.

Born to Boogie - The Ultimate T.Rex Experience (Sanctuary)

*Bizz, abril de 2006.

EXTRAS DE BORN TO BOOGIE

Teenage Dream: Hot Love

Bolan & Ringo: acertando o ritmo no take 2 de Tutti-Frutti

Spaceball Ricochet: nova tomada de uma grande canção

Children of the Revolution: Diversão - revolução só depois

Nonsense remasterizado: na trilha de Death Proof

dO oUTRO lADO dO rIO

Uma integração extremamente profissional se afirma a cada dia na cena do rock independente sulamericano. A música latina, enfim, se movimenta para transpor a fissura geocultural que aparta os países da América do Sul.

Brisas continentais sopram a favor do rock. É a política da boa vizinhança entre as bandas, que vem ajudando a estreitar relações.

Cambiando experiências e sonoridades, roqueiros argentinos, uruguaios, brasileiros, colombianos e de outras nacionalidades ganharam o trânsito sulamericano.

É possível que, em nenhum outro momento da história, as fronteiras dos países de língua espanhola tenham ficado tão receptivas ao livre ingresso da música jovem como hoje estão.

O filão é festa garantida para o rock independente. Passaporte na mão (talento e um mínimo de estratégia) e as bandas brasileiras podem sonhar, inclusive, com a viabilidade de uma carreira internacional. Para não dizer continental - essa é a palavra. A junção bilateral de esforços em prol do rock já deixou de ser um projeto, em curso nas décadas passadas, para se tornar prática com alto grau de profissionalismo no século 21.

O intercâmbio entre as bandas funciona e, por sua conta e risco, os grandes festivais independentes, em especial os brasileiros, têm se mostrado os maiores interessados na abertura cultural. Na última edição do Goiânia Noise, um dos maiores festivais do país, duas atrações sulamericanas foram escaladas: Rubin & Subtitulados (Argentina) e Perrosky (Chile). Na verdade, o rock latino vai bem - mas, como Cuba, tem de conviver com os embargos culturais de sempre.

Ser ignorado pela mídia e passar batido pelo gosto seriado do grande público são apenas os desafios mais prosaicos. No Brasil, o desafio dos artistas latinos com interesse no nosso mercado musical não é apenas grande - tem proporções monstruosas. Fora toda sorte de peculiaridades da nossa indústria.

Para vingar por aqui, antes, os artistas hermanos vão ser obrigados a solucionar a velha charada, aquela que ainda faz sua troça dissimulada pelos Pampas: como, em nome de Che Guevara e de todos os heróis revolucionários, seria possível cativar a audiência brasileira (numerosa, mesmo nas comarcas indies), pouco familiarizada com os enlevos lingüísticos do castelhaño?! Enquanto não aparece a fórmula perfeita para resolver a equação pop, a solução mais sensata também seria a mais justa. É simples, mas teria que partir de nós: parar e ouvir a música dos nossos vizinhos.

O jornalista e proprietário do selo SenhorF Discos, Fernando Rosa, é um estudioso da história do rock da América do Sul. Ele também não tem a chave para o enigma, mas faz muitas apostas no rock latino-americano – mesmo com o cenário adverso, embora promissor, que caracteriza o mercado das bandas independentes. Uma das suas cartadas será dada com o projeto SenhorF Festival – El Mapa de Todos, que vai reunir artistas de diversos países da América do Sul para tocar no Brasil esse ano, ainda sem data marcada.

Para Fernando, El Mapa de Todos traduz para o rock independente o sentimento, cada vez maior, de integração que está rolando entre países e culturas da América do Sul. Em outros segmentos da sociedade esse sentimento, inclusive, já deu frutos. Rosa cita a recente criação do Parlamento do Mercosul e do Banco do Sul, e emenda: "A integração, para ser duradoura e verdadeira, tem de ocorrer no terreno social e cultural. A música é um dos principais caminhos", aponta.

A integração da América do Sul, explica o jornalista, acontece por várias rotas. Vai desde a criação do Parlamento do Mercosul até o projeto de uma rodovia de ligação com o Pacífico, via Peru, e outras iniciativas fundamentais no terreno da infra-estrutura. "A integração para a qual ninguém dá muita bola avança pelo terreno cultural, onde a música possui grande força pela sua natureza imediata de comunicação", observa.

É nesse espírito que, no rock, as iniciativas proliferam. A plataforma de festivais independentes organizada e estimulada pela Associação Brasileira de Festivais Independentes (Abrafin) e pelo Núcleo Fora do Eixo vem promovendo a vinda regular de bandas sulamericanas ao Brasil. A política integracionista dos festivais independentes já levou aos palcos brasileiros bandas como Los Natas e Satan Dealers (Argentina) e Supersónicos (Uruguai).

Na edição passada, uma das grandes atrações do festival acreano Varadouro foi a peruana Turbopótamos. Em 2007, Brasília recebeu Rubin & Subtitulados (Argentina), Motosierra (Uruguai) e Perrosky (Chile).

A mesma força é dada do outro lado da fronteira. No ano passado, a gaúcha Superguidis realizou uma mini-turnê pela Argentina e pelo Uruguai. Na Argentina, o selo Scatter Records, da brasileira Sylvie Picolloto, organiza o ciclo Music is My Girlfriend, onde integração é a força- motora do movimento. Sylvie leva bandas nacionais para tocar na Argentina, e vice-versa, e lança discos de independentes brasileiros no país como fez com Autoramas, Superguidis e MQN.

Al otro lado del río – Toda a movimentação de bandas e artistas nas fronteiras atraiu a atenção da Petrobras. Em recente edital de apoio aos festivais independentes, a empresa estipulou, entre as exigências contratuais, a inclusão de bandas independentes do Mercosul na escalação dos festivais aprovados.

Com isso, a partir desse ano, grande número de artistas e bandas dos países sulamericanos circulará pelos festivais independentes do Brasil. "Em contrapartida, os brasileiros também cruzarão as fronteiras dos países vizinhos", coloca Rosa.

Criada no final dos anos 90, desde que entrou no ar, a Agência SenhorF divulga o rock da América do Sul nas suas páginas eletrônicas com biografias, resenhas de álbuns e textos históricos sobre as bandas. O site também edita split-singles virtuais binacionais por meio da iniciativa SenhorF Sem Fronteira.

A última dobradinha foi o lançamento do EP Los Porongas/Turbopótamos, com duas canções de cada banda. Turbopótamos é de Lima, Peru, e Los Porongas é a uma das grandes revelações nacionais surgida do Acre.

Em outros momentos da história, Roberto Carlos, Charly Garcia, Paralamas do Sucesso e Soda Stereo abriram as fronteiras dentro da velha lógica do mercado das majors. Só que agora o intercâmbio é mais profundo: envolve troca de informações, de tecnologias e contribui para a construção de um novo tipo de mercado. "Um processo que artistas pioneiros como os gaúchos Vitor Ramil e Arthur de Faria, por exemplo, conhecem bem, mas que precisa se tornar uma prática comum na região", lembra o jornalista.

Fique por dentro de todo o contexto do rock latino-americano na entrevista exclusiva de Fernando Rosa para o [[DESORIENTAÇÃO]]. Siga o post abaixo.

fERNANDO rOSA: "o rOCK nÃO é mAIS aMERICANO"

[[DESORIENTAÇÃO]] – Porque ninguém dá muita bola para esse mercado?

Fernando Rosa – Acho que, em grande parte, é devido ao colonialismo cultural ainda vigente em todos os campos da vida dos países. Buenos Aires, Montevidéu, Santiago e Caracas estão logo ali, mas Londres e Nova York ainda são os atrativos do mercado.

No entanto, penso que assim como quebrou a lógica da grande indústria fonográfica, essa relação de submissão também tende a romper-se. Por outro lado, depois de 50 anos, o rock já não é mais americano, ou inglês − já é uma linguagem universal. Um dos melhores shows do mundo no momento, por exemplo, da banda El Mató a Un Policia Motorizado (foto), pode ser visto em La Plata, no subúrbio de Buenos Aires, e não na Europa.

[[DESORIENTAÇÃO]] – O que explica tantos anos de separação das cenas de rock dos países da América do Sul?

Fernando Rosa – Acho que não existe apenas um motivo, mas vários combinados. Antes de mais nada, acho que é o político. Nas últimas décadas, convivemos com ditaduras pró-Estados Unidos que unificavam apenas os sistemas de perseguição e tortura. Mas também contribuíram para a situação as diferenças econômicas, as distâncias geográficas e a língua. E, claro, uma indústria fonográfica com matriz americana, que determinava o que circulava em nosso país.

Atualmente, uma onda de governos populares, nacionalistas e, mesmo, com viés socialistas mudou o quadro político. Com isso, sopram novos ventos pró-integração em todos os terrenos, seja político, com o Parlamento do Mercosul, por exemplo, econômico, social ou cultural. A internet rompeu com o monopólio das grandes gravadoras e, na brecha dessa crise, crescem nichos de mercado.

Um deles é o independente, que floresce em todos os países, com grande disposição de intercâmbio e troca de informações. Por outro lado, as distâncias ficaram menores com a construção de novas estradas e, especialmente, uma política especial de transporte aéreo, mais eficiente e barato. Ou seja, são novos tempos, que precisamos aproveitar para consolidar um mercado que promova a integração plena do continente.

[[DESORIENTAÇÃO]] – Você acredita que a música é um elo de ligação poderoso para aproximar os países do Mercosul? Ela pode se tornar um instrumento político?

Fernando Rosa – Talvez seja um exagero, mas diria que a música é o principal meio de integração, não apenas em nossa situação específica, mas em toda a história da humanidade. As pessoas, por vezes, sequer sabem onde fica determinado país, não conhecem a língua, a geografia, os costumes, mas por alguma razão, se ligam na música. Vejo que, em geral, os artistas e bandas dos países de língua espanhola mantêm historicamente algum tipo de contato mais estreito.

Soda Stereo, da Argentina, que retornou recentemente aos palcos, lotou estádios em várias capitais dos países da América do Sul, mas no Brasil, não arriscaria um show deles num local para mais de mil pessoas. Então, penso que, além de aprofundar essa relação entre os países de língua espanhola, é preciso aproximar o Brasil desse "outro lado" das nossas enormes fronteiras. Não acho que tenhamos uma postura imperialista, sob qualquer aspecto, mas penso que, devido as dimensões do país, cabe a nós a iniciativa nesse processo.

No Brasil temos uma política de governo voltada para a integração cultural, da qual um exemplo é o o edital da Petrobras de patrocínio aos festivais independentes, que exige participação de artistas do Mercosul. No campo privado, temos o Itaú Cultural que, depois de mapear o Brasil, agora busca desenvolver o mesmo trabalho na América do Sul. A expressão "instrumento político" pode passar uma idéia de manipulação, mas acredito que a música, ao final das contas, é sempre política. Em nosso caso, se apenas aproximar os povos, já estará cumprindo esse papel.

[[DESORIENTAÇÃO]] – Os festivais independentes brasileiros dão boa acolhida às bandas sulamericanas. O mesmo acontece nos outros países, as bandas brasileiras são bem recebidas?

Fernando Rosa – Antes mesmo da existência dessa plataforma de festivais independentes, coordenada pela Abrafin, no caso do Brasil, algumas bandas já promoviam um intercâmbio continental. As bandas uruguaias e argentinas, especialmente, apresentam-se com regularidade nas duas capitais, e também vão à Santiago, no Chile, com freqüência. Só agora o Brasil integrou-se mais efetivamente nesse processo, com bandas brasileiras cruzando as fronteiras, como aconteceu com Autoramas, MQN e Superguidis.

Da mesma forma, a vinda de bandas sulamericanas vem tornando-se uma situação comum, especialmente à convite dos festivais independentes. A recíproca no entanto, ainda é restrita, pois nesses países, em geral, inexiste qualquer tipo de política oficial destinada a bancar esse intercâmbio. Então, cabe aos produtores privados, as próprias bandas e aos selos, mesmo com dificuldades, tomarem a frente do processo. As bandas brasileiras, em geral, são muito bem recebidas. Existe uma curiosidade muito grande pela música brasileira em geral e, claro, pelo rock em especial.

[[DESORIENTAÇÃO]] – Tem previsão para o festival El Mapa de Todos?

Fernando Rosa – A idéia é realizá-lo ainda ainda neste ano, se possível na metade do segundo semestre. A proposta inicial é que aconteça em São Paulo, em algum teatro, em três dias e com um formato flexível. Ou seja, não apenas voltado para o "rock de guitarras", mas também aberto aos songwriters e ao "rock mestizo", digamos assim. O nome Senhor Festival - El Mapa de Todos é para estabelecer o conceito de integração sem fronteiras e mapas. Estamos em fase de preparação do projeto, de definição das bandas e, especialmente, em busca de patrocínios para viabilizar o projeto.

PARA SEGUIR VIAGEM

Fernando Rosa comenta uma lista de dez bandas que fizeram a história do rock sulamericano e destaca cinco músicas simbólicas do cancioneiro rocker-latino. Adelante:

bUENAS bANDAS, dISCOS y oTRAS cOSITAS

Los Shakers [[Uruguai]]

Banda dos irmãos Hugo e Oswaldo Fattoruso, Los Shakers são o melhor "conjunto de Beatles" do mundo, ao lado dos australianos Easybeats. Cantavam em inglês e gravaram três discos clássicos com a levada beat tradicional. Em 1967, gravaram o "Sgt Pepper's sulamericano", o disco La Conferencia Secreta del Toto's Bar.

Los Saicos [[Peru]]

Banda de Lima, no Peru, é uma espécie de nossa mais perfeita tradução das bandas "nuggets" ou "pebbles". Em 1964, gravou a música "Demolición", um petardo punk da estirpe de "Psycho" ou "Surfin' Bird". Para garantir a lenda, não gravaram nenhum LP, apenas seis compactos sem reedição oficial.

Los Gatos [[Argentina]]

É uma das três bandas fundadoras do rock argentino, ao lado de Almendra e Manal, nos anos 60. Distante da Nueva Ola, que quase não vingou na Argentina, tem a seu favor o fato de fazer rock em espanhol desde o início. Liderada por Litto Nebia, deixou cinco ótimos discos gravados.

Los Mac's [[Chile]]

Um dos vários grupos chilenos importantes da primeira metade dos 60. Mas, além dos demais, destaca-se pela gravação do disco Kaleidoscope Man, em 1967, outra espécie de Sgt. Pepper's local. Psicodelia, garagem e ecos de Stones 66 fazem da banda audição obrigatória.

Los Speakers [[Colômbia]]

Natural de Bogotá, Los Speakers são os responsáveis pelo disco mais "doido" da discografia latina, e também o primeiro independente – Em El Maravillos Mundo de Ingeson. Fundamental pela sonoridade psicodélica e pelo inedetismo conceitual, que incluia uma “pastilha” colada no disco (um chiclete Adams...hehehehe...)

Almendra [[Argentina]]

Banda de Luis Alberto Spinetta, que depois montou outros projetos, em especial o grande Pescado Rabioso. De orientação "Beatles", o Almendra fez a transição dos anos 60 para a psicodelia setentista. Seus singles e o primeiro álbum são clássicos do rock argentino lembrados até hoje.

Los Traidores [[Uruguai]]

Banda dos anos 80, com o tradicional mix de punk & new wave, é responsável por um dos melhores discos da discografia latina: Montevideo Agoniza. Com letras existencialistas e/ou politizadas, traduziu o período que marcou o fim da ditadura, que afastou os jovens do país.

Leusemia [[Peru]]

A grande banda punk da América do Sul, em música, estética e especialmente atitude. Nascida com o Movimento Subterrâneo, deixou alguns dos hinos musicais da juventude peruana. De carreira irregular, retornaram nos anos 90, com o disco A la Mierda lo Demás (Asssinato del Mito), que acabou tendo efeito contrário...

Los Prisioneros [[Chile]]

A maior banda de rock do Chile, um trio com música econômica, entre punk & new wave e letras politizadas - e longas. Surgida ainda sob a ditadura de Pinochet, gravou diversos discos, com destaque para La Voz de Loz 80 e Pateando Piedras, clássicos do rock da América do Sul.

Sentimiento Muerto [[Venezuela]]

Outra banda tão importante quanto desconhecida para os brasileiros. Natural da Venezuela, teve seu primeiro disco lançado em 1987, produzido pelo argentino Fito Paez. Também com estética punk & new wave, incorporava toques de ritmos regionais. Gravou três discos e deixou um hit clássico, "Manos Frias".

CANCIONES PARA SIEMPRE

"Demolición" [[Los Saicos]]

A grande representante do proto-punk latino. Cantada até hoje pelas novas gerações. Até no Brasil ganhou cover, com os gaúchos da Damn Laser Vampires. Tão boa quanto "Surfin Bird", talvez melhor. Pena que os Ramones não a conheceram.

"Oirán tu voz, oirán nuestra voz" [[Leusemia]]

Uma bela canção de geração, típica dos anos oitenta. Sem afetação política, mas reivindicando que "a juventude precisa ter mais espaço". Tem duas versões, uma mais crua, de meados dos 80 e outra posterior, mais trabalhada.

"Aprendizaje" [[Sui Generis]]

A mais fiel tradução do discurso "drop out" sulamericano, com a banda Sui Generis, de Charly Garcia. Um mix de folk & piscodelia, foi um tipo de hino da juventude argentina no início dos anos 70.

"Cae la Lluvia sobre Montevideo" [[Los Traidores]]

Com sua letra sombria, cantava um dos períodos mais difíceis de um Uruguai que teve seus jovens assassinados ou expulsos do país. Com ela, Los Traidores deram sentido ao clima de quase abandono de uma geração.

"Chica Rutera" [[El Mató a Un Policia Motorizado]]

Natural de La Plata, El Mató a un Policia Motorizado é a grande revelação do rock argentino atual. "Chica Rutera", com suas duas frases, se converteu em um mantra suburbano dos “chicos” indies do Rio da Prata.

CANAIS PARA OUVIR & LER SOBRE O ROCK LATINO

Super 45 (e-zine do Chile com rádio)
Zona Indie (e-zine da Argentina com rádio)
Zona de Obras (revista espanhola com política editorial ibero-americana)

Programa Operación Escuchar (Rádio Nacional Faro, de Buenos Aires)

Rádio Doble Nueve (Lima)

Rolling Stone latina

SENHOR F SEM FRONTEIRA

Está na rede a quinta edição do programa Senhor F Sem Fronteira, apresentado por Fernando Rosa e veiculado pela Rádio Câmara, em Brasília. No programa, destaque para o desconhecido rock paraguaio, com a banda Limón Sutil e um passeio pela milonga pampeana de Kevin Johansen e Vitor Ramil, além de Caf Tacuba e músicas do novo disco Si No. A edição também traz a dobradinha brasileira Vanguart/Los Porongas, incluídos na coletânea da revista espanhola Zona de Obras. Para ouvir todas as edições do Sem Fronteira, é só clicar.

a mALDIÇÃO dO sAMBA*

A cada briga de rua, uma nova música - um novo hino de louvor ao fim dos tempos

CRISTIANO BASTOS

Um aviso aos incautos: não basta gostar de black metal, nem bancar o eclético. É preciso ter santo forte e nenhuma repulsa para encarar as 18 faixas instrumentais de O Jazz Vai à Merda, o primeiro disco da banda brasiliense Satanique Samba Trio (gravadora Amplitude).

Só pelo nome das canções dá para ter uma noção da atmosfera de horror e blasfêmia que o SS3 quer instaurar com sua "música do contra": "Kit de Amputação Asa-sulista", "Canção pra Atrair Má Sorte (Ato 6)", "Todos os Santos na Grelha", Salve Satã e Ponto Final", "Auto-retrato em Tripa de Cachorro".

Insurgidos dos subterrâneos da capital federal 2000, esses missionários do anticristo com formação erudita se investiram na missão confessa de meter medo. O golpe é mais ou menos o seguinte: o trio - que na verdade são cinco integrantes - primeiro absorve os cacoetes mais indigestos da música erudita contemporânea, de dissonâncias a distorções rítmicas. Depois, regurgita tudo na cara da MPB com uma injeção de punk, ao menos no barulho e na atitude. "As microfonias foram cuidadosamente planejadas para azucrinar o ouvinte com uma algazarra infernal", adverte o criador do grupo, baixista e regente Munha.

A duração das músicas de O Jazz Vai à Merda, obssessivamente calculada, nas quais não há nem sombra de improvisos, segue o ideário punk. Nada ultrapassa os cerca de 3 minutos. Na opinião de Munha, a ambivalência de uma banda que toca música desconhecida e particular soa desafiadora, cativa os expectadores menos imbecilizados, mas enoja fãs do jazz, irrita roqueiros e causa asco nos eruditos.

O SS3 jura que não é simplesmente lúdica essa conversa de adoração ao demo, que já virou piada gasta por causa do culto infantil dos fãs de heavy metal. Todo o universo temático do grupo está voltado para o louvor ao conceito de "adversário", conforme esclarece a etimologia hebraica (Shaitan) do termo "Satã".

Segundo o músico, que sofre de transtorno bipolar e toma remédios controlados, além da besta, suas influências resumem-se a quatro: falta de dinheiro, umidade relativa a 10%, insônia aguda e Gustav Mahler: "A quarta sinfonia de Mahler é de fazer lacrimejar os olhos do mais duro fuzileiro naval!".

Na opinião de Munha, de tão árida e tediosa, Brasília se torna bastante inspiradora: "Sempre que vejo uma briga na rua, volto para casa e componho. Na última pancadaria, escrevi uma ópera na seqüência". Ele vê a cena do rock brasiliense como um retrato deprimente da realidade nacional. "Bandas tão inventivas quanto a equipe de criação do Caldeirão do Huck", zomba.

A imprensa local nem reconhece a existência da SS3, tamanho é o boicote do jornalismo quase beato da cidade, critica o compositor. "Por aqui todos querem escrever sobre pessoas simpáticas que levam a vida na maior curtição. Da cena brasiliense, gostaríamos de ser os vilões, mas os roqueiros nos ignoram. Não que isso seja ruim, é claro".

Se a imprensa local não dá espaço ao SS3, pelo menos a de fora do país está antenada com o que se passa no nosso submundo. No ano passado, a banda saiu nas páginas do jornal britânico The Observer. Com o título "Anyone for a spot of satanic samba?" - algo como "Alguém a fim de um pouco de samba satânico?", a matéria, que também citava Graforréia Xilarmônica e Hurtmold, afirmava haver muito mais que bossa nova no Brasil: "Uma explosão de coisas novas, algumas profundamente estranhas", comentava o artigo.

Sobre o atual estado da música popular brasileira, Munha acha que há tanto artista bunda-mole solto por aí que dá até desânimo criticar: "É como chutar cachorro morto. Prefiro falar mal de roqueiro". Mesmo depois de lançar em 2005 o elogiado EP Misantropicália, ele confessa que ainda não sabe definir como o grupo soa. "Imagino que para quem houve deve ser algo do tipo 'samba de filho da puta'". Diante de tudo, só resta a pergunta: que diabos esses caras pretendem, afinal? "Nada que preste, pode apostar", escarnece Munha.

*Bizz, março de 2006.

eNCAIXOTANDO eLEKTRA*

Velharias inéditas de bandas como The Doors são jóias cada vez mais escassas. O box set Forever Changing: The Golden Age of Elektra Records-1963-1973, lançado pela Rhino, recupera raridades de artistas do cast da Elektra, que foi do purismo folk ao rock psicodélico e ajudou a fecundar as sementes do punk.

Os cinco discos que compõem a caixa são oportunidade única para se deliciar, entre outras pepitas, com a versão de "Moonlight Drive", em que a banda altera os arranjos para que um manhoso Jim Morrison recite seus vocais embriagados.

Antes dos Doors, nomes respeitados da cena folk foram lançados pela Elektra: Fred Neil, Juddy Collins, Phill Ochs e o mitológico Tim Buckley. A grande sacada da caixa, contudo, é a reedição de obscuridades piscodélicas como Holly Modal Rounders, Clear Light, Ars Nova, Plainsong, The Wackers e de uma camarilha de bandas dadas como esquecidas.

Forever Changes desenterra tesouros do período pré-fama dos The Byrds e Blue Oyster Cult, que antes se chamavam Beefeaters e Stalk-Forrest Group, respectivamente - nada mau para uma gravadora que começou a operar com capital inicial de 300 dólares, em 1950, e foi a casa do MC5 e dos Stooges.

O brilho da Elektra resplandece na produção do box set, que contém livro, postais e CD-ROM. Uma das curiosidades é a canção "World without End", do aspirante a herói glitter Jobriath, que morreu em 1983, não destronou Bowie e Bolan, e hoje é amado por gente sensível como Morrisey.

*Bizz, março de 2007.

aTHOS bULCÃO: cRIAÇÃO sEM mISTÉRIO*

Parceiro de Oscar Niemeyer, artista fez da capital federal a grande obra da sua vida

POR CRISTIANO BASTOS

"A criação é misteriosa". Assim, Athos Bulcão tenta definir sua arte. Mas não há mistério em se dizer que Bulcão é um dos grandes expoentes da cultura brasileira. Sua extensa produção, reconhecida internacionamente, pode ser vista em aproximadamente cem monumentos públicos de Brasília, em locais como Teatro Nacional, o Panteão da Pátria, o Palácio do Itamaraty e o Congresso Nacional.

Aos 88 anos, com dificuldades para falar por causa do Mal de Parkinson, ele recebeu a revista Bien'Art, no Hospital Sarah Kubistchek, em Brasília, onde estava internado desde fevereiro. Ironicamente, ali mesmo, o artista pôde ver sua obra, criada quando esbanjava saúde: painéis feitos nos anos 1960 para o projeto de João de Filgueiras Lima, o Lelé, arquiteto conhecido pelos inovadores projetos da Rede Sarah. A doença, que hoje impede Bulcão de andar e trabalhar integralmente, não esconde sua veia poética: "A vida, para mim, foi e continua a ser uma constante indagação. Com alegria pelo cerrado, à espera de alma e de beleza".

Juntamente com a mudança da capital do Rio de Janeiro para Brasília, o artista carioca adotou o cerrado para o resto da vida quando recebeu o convite de Oscar Niemeyer para realizar uma série de obras de arte em prédios da cidade. Já havia sido colaborador do arquiteto na Igreja da Pampulha, em Belo Horizonte.

Em 1958, travando verdadeira corrida contra o tempo, Bulcão desembarcou na futura capital - até então um enorme canteiro de obras no meio do planalto central - para integrar artes às concepções de Oscar Niemeyer. O arquiteto e artista trabalharam juntos nas ações de revestimentos, painéis, murais, divisórias e outros ofícios de integração de artes plásticas à arquitetura da cidade.

Atos costuma dizer que seu encontro com Niemeyer foi uma sorte. "Ele me ensinou a correr riscos. Com ele, aprendi a pensar arte e arquitetura, visualidade, espaços e distâncias". Outro privilégio na sua vida, afirma o artista, foi ter visto Brasília nascer praticamente do nada. E ter colaborado no custoso parto. "Artista eu era. Pioneiro eu fiz-me. Realmente um privilégio: ser um pioneiro".

O arquiteto oscar Niemeyer recorda com afeto os tempos de trabalho e camaradagem ao lado do colega. "Lembro como, atento, Athos tentava supor o que eu tinha em mente, para poucos dias depois surgir com o projeto realizado. O meu amigo decifrava como ninguém a nossa arquitetura e nela se inseria com sensibilidade invariável", conta destacando as pinturas que Bulcão fez para a Catedral de Brasília, a partir de composições equilibradas e muito coloridas. "Às vezes eu o procurava sem nenhum propósito profissional. Queria apenas vê-lo, saber se ia bem de saúde, se a vida lhe corria feliz, e lá ficávamos, a conversar, solidários. Ele, falando baixinho, como é seu hábito", relembra Niemeyer.

Obras de Bulcão dão cor ao concreto de Brasília - Para a professora do Instituto de Artes da Universidade de Brasília (UNB), Grace Maria Machado de Freitas, a porção mais conhecida da vasta obra do artista é a que está integrada à arquitetura. Mas Grace, também presidente da Fundação Athos Bulcão (que desenvolve programas voltados para a difusão de arte e ações sócio-educativas para jovens), destaca outros tipos de trabalho, como a série de relevos policromados, intitulada Máscaras, em que o artista adota a figuração e textura variadas. Grace também destaca as fotomontagens, que expressam um fino humor a partir de uma linguagem surrealista. "Mais adiante, a fase pictórica apresenta soluções de tonalidades cromáticas que traduzem o espaço e a luminosidade da paisagem", acrescenta.

Anos antes de instalar-se em Brasília, Bulcão foi auxiliar do pintor Cândido Poirtinari no painel de São Francisco de Assis, da Igreja da Pampulha, em Belo Horizonte. Terminou sendo chamado para fazer um estágio no ateliê do mestre, no Rio de Janeiro. "Conheci Portinari em 1945. Ele era muito importante, enquanto eu era sempre muito cerimonioso. Com ele aprendi a entender os quadros e a analisar como eram feitos. Compreendi que trabalho é disciplina e passei a valorizar a importância de se pensar a arte. Até hoje, antes de pintar, escolho as cores que vou usar. Pré-determino o quadro que vou pintar e muito raramente acrescento alguma coisa nova", revela o artista.

Na década de 1960, vivendo a plenitude da sua produção artística, Bulcão foi convidado pelo antropólogo Darcy Ribeiro, então reitor da Universidade de Brasília (UnB), para lecionar no Instituto Central de Artes. "Foram tempos complicados", relembra Maciej Babinsk, pintor polonês naturalizado brasileiro, que na época ocupava o cargo de professor-assistente de Bulcão. A atmosfera era de repressão, inclusive na área cultural. Em 1965, ambos acompanharam, a contragosto, a demissão coletiva de mais de duzentos colegas, conseqüência do golpe militar.

Babinski lembra que Bulcão, assim como outros intelectuais da sua geração, estava envolvido no projeto de tornar a UnB uma universidade nova - antes, durante e depois do regime militar. "A UnB era muito pressionada pela ditadura para levar adiante as demissões. A intenção era que os professores mais 'transgressores' fossem substituídos por outros, inofensivos", recorda o velho colega. Foi um momento de grande desespero.

Na tentativa de fazer com que os professores que estavam na lista fossem poupados, e como forma de protesto, o grupo de acadêmicos fez uma assembléia. A solução acordada entre todos foi a demissão coletiva. Mas o resultado da ação não ocorreu como esperado e as exonerações, assim mesmo, foram realizadas. Em 1985, os professores remanescentes, entre os quais Bulcão e Babinski, foram reintegrados à UnB graças à Lei da Anistia e se envolveram, com a mesma forma do passado, no projeto do novo Instituto de Artes.

A integração da arte à arquitetura - Durante e após a ditadura, a amizade entre Bulcão e Babinski progrediu além da docência. O polonês tem o artista como o precursor, no Brasil dos anos 1940, da técnica de colagem com motivos surrealistas, que ele viria a utilizar na sua arte com azulejos. Essas peças, que podem ser vistas nas paredes do Palácio do Itamaraty ou até mesmo no Memorial da América Latina, em São Paulo, primam pela combinação das cores azul e branco, padrões nos azulejos do Brasil colonial. "É de inteira responsabilidade dele ter reintroduzido a forma de arte oriunda dos azulejos do Brasil colonial na arquitetura moderna".

Na opinião de Babinski, a integração entre arte e arquitetura que se observava em Brasília era mais harmoniosa do que a dos projetos atuais. Segundo ele, em outros tempos, a relação não parecia "simplesmente decorativa". Hoje, falta bom senso e as intervenções são excessivas. "Antes víamos os edifícios em meios às àrvores. Parecia que morávamos em um parque. Agora a quantidade de outdoors é tão grande que em alguns lugares não vemos mais nada. Nem o que eles dizem", reclama. "Eu sempre trabalhei ao lado do arquiteto procurando entender seu projeto para, nele, associar a minha arte", justifica.

Lucio Costa, oscar Niemeyer, Athos Bulcão. De todas as combinações de nomes e obras em Brasília, conforme Grace Maria Machado de Freitas, esta é a mais emblemática para a capital. "O legado de Athos Bulcão para a cidade, em especial, é indissociável do seu projeto urbanístico e arquitetônico", define a professora.

O crítico de arte e professor da Faculdade de Urbanismo da Universidade de São Paulo (USP), Agnaldo Farias, enfatiza o fato de Bulcão ter como mérito trabalhar em espaços coletivos numa cidade com inúmeras dificuldades para agregar a convivência social, mas apta a acolher obras de arte e, por meio delas, mediar possíveis encontros. "A obra de Athos tornou-se expressão de um povo".

*Perfil publicado na revista Bien'Art (Fundação Bienal de São Paulo), março de 2006.

pESO e lEVEZA

Para realizar uma das suas mais reconhecidas obras, o relevo da fachada lateral do Teatro Nacional Cláudio Santoro, em Brasília, Athos Bulcão conta que o objetivo inicial da proposta que Niemayer lhe fez era imprimir um pouco de leveza à imensa fómula sólida e piramidal do prédio.

Ele lembra que Niemayer pediu sua colaboração, no que primeiramente deveria ser apenas um painel de azulejos, mas o arquiteto terminou concluindo que, pra complementar o exterior do teatro, o ideal era criar algo, ao mesmo tempo, leve e pesado: "Fui à casa de um amigo que tinha uma serra mecânica e tive a idéia de fazer aqueles cubos que se multiplicam em diferentes tamanhos. Ficou pronto em uma semana e é uma das obras que me deu maior satisfação, por ser grande, complexa e exposta. É um trabalho muito bem aceito pelas pessoas. As crianças sobem e se divertem - o que é sinal de aprovação".

VENDO ATHOS:

Na Fundação Athos Bulcão há uma grande coleção de gravuras, pinturas, fotomontagens, máscaras, bichos e desenhos do artista em exposição. No site, você pode conhecer os pontos de Brasília em que ele fez a integração entre arte e arquitetura e tem acesso a artigos, biografias e aos projetos desenvolvidos pela fundação. Não deixe de visitar a seção de produtos, onde a arte de Bulcão vem estampada em artigos como sombrinhas, pratos, canecas e camisetas.

o hIPERESPETÁCULO

“E sem dúvida o nosso tempo... prefere a imagem à coisa, a cópia ao original, a representação à realidade, a aparência ao ser... O que é sagrado para ele, não é senão a ilusão, mas o que é profano é a verdade.

Melhor, o sagrado cresce a seus olhos à medida que decresce a verdade e que a ilusão aumenta, de modo que para ele o cúmulo da ilusão é também o cúmulo do sagrado”. (Ludwig Feuerbach, prefácio da segunda edição de A Essência do Cristianismo)

Considerações como essa, que o filósofo alemão Ludwig Feuerbach (1804/1872) escreveu em sua obra definitiva, A Essência do Cristianismo, custaram-lhe a carreira acadêmica e o condenaram ao ostracismo pelo resto da vida. Feuerbach viu sua inteligência amargar a vitória do ilusionismo, mas acabou provando quão perigosas podem ser as tentativas de desvendar noções coletivas consagradas pela sociedade.

Todavia, cerca de século e meio depois, as ponderações de Feuerbach ainda são lúcidas para explicar a ilusão mágica exercida pelos reality-shows sobre rebanhos de milhões de telespectadores. No Brasil, eles se acomodam em frente ao televisor para "decidir" sobre o futuro dos participantes do programa Big Brother.

A exemplo do catolicismo e do futebol, duas heranças estrangeiras, o Big Brother, cuja franquia pertence a empresa holandesa Endemol, só vingou mesmo é no Brasil. Por essas bandas, alimentar a ilusão de poder aparecer na Rede Globo em horário nobre é uma aspiração além de unânime. Istoé, sagrada, como postulou Feuerbach.

Se fosse organizada uma temporada de plebiscitos mediados pela televisão, para determinar o destino do dinheiro público, por exemplo, não haveria o mesmo envolvimento dos telespectadores. No entanto, quando o tema é um entretenimento em massa, como o Big Brother, ou o final da novela, todo mundo tem a sua opinião. Detalhe: os telespectadores ligam (e pagam) para a emissora para participar dos chamados "paredões" do programa. Cidadania e política não é o que importa, alienação vouyerística, sim, é o que há.

Vivo, o teórico Guy Debord teria presenciado, nem um pouco abismado, nos reality-shows, a materialização das teorias da sua obra A Sociedade do Espetáculo (Editora Contraponto, 1997), escrita em 1967. Segundo Debord, o espetáculo apresenta-se como algo grandioso, positivo, indiscutível e inacessível.

Debord chamou o espetáculo de "o sonho da sociedade", que encontra nele sua vontade de fugir da realidade e se entregar à ilusão: "A alienação do espectador mediante o objeto de contemplação, resultado de sua atividade inconsciente, exprime-se assim: quanto mais ele contempla, menos vive; quanto mais aceita reconhecer-se nas imagens, menos ele compreende a sua própria existência e o seu próprio desejo. A exterioridade do espetáculo em relação ao homem que age aparece nisto, os seus próprios gestos já não são seus, mas de um outro que se apresenta".

A ironia maior é que a mídia, que ignorou Debord por toda a vida, promoveu, quando ele morreu, um "espetáculo na Sociedade do Espetáculo". A televisão exibiu o documentário Guy Debord, Sua Arte e Seu Tempo e o filme-documentário A Sociedade do Espetáculo. Os jornais lhe deram a primeira página, seu suicídio estampado com a manchete: "Morre um dos grandes pensadores do século 20".

Hiperespetáculo − Na opinião do sociólogo Juremir Machado da Silva, Debord é um homem do século passado. O espetáculo debordiano, para Juremir, chegou ao fim. A era que vivemos é outra − a era do hiperespetáculo. O espetáculo, elucida Juremir no texto Depois do Espetáculo (reflexões sobre a tese 4 de Guy Debord), era um fenômeno ligado à contemplação. O hiperespetáculo é a contemplação de si mesmo num outro:

"No espetáculo, cada indivíduo abdicava do seu papel de protagonista para tornar-se espectador. Mas era uma contemplação do outro, um outro idealizado, a estrela, a vedete, os 'olimpianos'. Um outro radicalmente diferente e inalcançável, cuja fama era ou deveria ser a expressão de uma realização extraordinária. No espetáculo, o contemplador aceitava viver por procuração. Delegava aos 'superiores' a vivência de emoções e de sentimentos que se julgava incapaz de atingir. No hiperespetáculo, a contemplação continua. Mas é uma contemplação de si mesmo num outro, em princípio, plenamente alcançável, semelhante ou igual ao contemplador. (...) O outro é 'eu' que deu certo graças às circunstâncias. O preço da fama parece estar ao alcance de qualquer um".

E o escritor George Orwell, que pensaria ao ver a expressão Big Brother furtada do livro 1984, e que diria dos reality-shows de hoje? Foi mais ou menos essa a pergunta feita ao apresentador Pedro Bial em uma entrevista à Revista Trip. O jornalista não deixa de tirar uma onda do povão que assiste ao Big Brother Brasil, que nunca ouviu falar de 1984 e que, se o lesse, saberia que o tal Grande Irmão é um vilão de primeira.

Bial, que pode se prestar ao papel de jornalista-animador de TV, mas não é nenhum idiota, tergiversou diplomaticamente: "Acho que ele ia ficar meio possesso com a apropriação do título. Depois, inteligente como era, ia falar: 'Puxa, o danado do capitalismo conseguiu subverter até isso!'. Até o que era sinônimo de totalitarismo e controle absoluto do cidadão vira programa de entretenimento. No Brasil é mais engraçado ainda porque o povo não sabe a origem da expressão. Acham que o 'brother' é de irmão, amigo [risos]".

Sombrio é confundir 1984 com entretenimento, quando a obra é puramente sobre totalitarismo. De qualquer forma, a analogia do BBB com o mundo profetizado por Orwell, de fato, existe. A única liberdade no Big Brother é a liberdade vigiada e contratualmente monitorada. Que um dos participantes ouse falar mal do funcionamento do programa ou do governo que o rege (a Globo)... A punição seria a pior imaginável: defenestração pública em rede nacional e a saída do programa transmitida para todos os lares. Com direito a lição de moral do Bial. Humilhação pior que o soldado deserdor poderia receber por abandonar a guerra do seu país.

Nesse ponto, o Big Brother é muito semelhante ao livro que o inspira: o controle absoluto pelos olhos que tudo vêem, sabem e controlam. Medo, sentimentos de inquietação, castração sexual e liberdade − mas só até certo ponto. Em outras palavras, uma forma de escravidão que pode ser muito bem remunerada. Ou não. A maioria esmagadora sai de lá com as mãos abanando.

E as analogias vão muito mais além do que supúnhamos. Tal qual a obra de Orwell, no Big Brother as classes são bem determinadas. Alguma punjança para os líderes e, para todos os demais, obediência, medo e solidão. O público, o olho tentacular do Big Brother, analisa as personalidade, faz os julgamentos e dá o seu veredito. E não há chance para se redimir. Se o jogador causar má impressão ao sair da casa, assim será para toda a sociedade, a brasileira, essa que legitima muitos dos seus valores com um controle remoto em punho.

Do ponto de vista sociológico, o mais intrigante é que os "brotheres" se mostram extremamente felizes na condição de confinados. Tão exultantes que as lágrimas rolam lépidas e inconseqüentes. Nem o santo nome de Deus tem descanso. É dito em vão a todo momento pelos participantes, agradecendo por estarem ali, encarcerados, ou suplicando à sensibilidade superior para que se dêem bem no jogo. Logo Deus, que já tem o Big Brother Mundo pra vigiar, além das guerras, da fome, da violência e da corrupção no Brasil.

Apesar de tudo, o fetiche é grande. Tanto por parte dos participantes como do público. Até as formas mais suaves de pornografia são beneficiadas pelo BBB. É a lógica de funcionamento do programa, que já prevê destino editorial certo para os saradas e sarados do programa no observatório erótico das revistas. Todos, sem sombra de dúvida, bombados e musculosos. Pedaços de carne bem cotados no mercado.

Autencidade premiada − O BBB é o território no qual a dissimulação vem fantasiada de "autenticidade", palavra-chave no glossário dos reality-shows. Certa vez, uma pessoa que conheci revelou que torcia por fulano de tal na edição passada do programa. Para uma confessa telespectadora do Big Brother, nada de anormal, se identificar com algum participante do jogo. Mas, ao me dizer isso, fiquei naturalmente curioso para saber porque ela estava torcendo por aquela pessoa: "Porque ele é autêntico", respondeu-me, como se tivesse aprendido a palavra "autêntico" assistindo à televisão.

A grande questão era saber se ela torcia pelo candidato em questão porque o Brasil inteiro estava torcendo pela mesma pessoa − e então este é um jogo de cartas marcadas em que o ganhador é definido antes do final − ou, simplesmente, porque o jogador seria realmente autêntico. Autêntico até o ponto em que a liberdade do programa permite. Pelo que sei, autenticidade tem a ver exclusivamente com liberdade. Sobretudo, liberdade de expressão e de pensamento.

Porém, como pode se ter autencidade ao participar de um programa que limita a liberdade de seus jogadores em um código de conduta que não pode ameaçar, nem de longe, os interesses da empresa que o produz? No BBB, autenticidade só seria possível se houvesse a mínima chance de crítica contra o stablishment do programa. Como não há, qualquer tentativa de ser autêntico, portanto, é meramente simulada. É como achar que existe liberdade escrevendo para um jornal. A liberdade só vai até onde começam os interesses da empresa.

A noção de autenticidade também se dilui nas edições do BBB. Confinamento após confinamento, fica visível que os participantes do jogo partilham de uma mesma linguagem padrão. Por já terem sido espectadores dos números anteriores, eles estão cada vez mais profissionais na construção de uma autenticidade auto-elaborada e na criação, com a palavra final da edição, de “kits-de-perfis-padão” identitários.

Edição após edição, "espie": a ritualização é sempre a mesma − dos gestuais ensaiados aos modelitos de banho, do exibicionismo fashion aos cortes de cabelo da hora, do sentimentalismo que se apodera de todos as amizades verdadeiras, da troca generosa de elogios à sinceridade fingida. Até a franqueza é fingida. Na casa do Big Brother todo mundo age segundo a mesma cartilha dissimulatória e, nos lares, todos dizem amém.

No Brasil, a usina do entretrenimento barato avança a todo o vapor. O número de pessoas que aspira a um posto de popstar, para gozar de cinco minutos de fama televisiva, é muito maior do que se imaginava. Culpa dos reality-shows, que retroalimentam os sonhos daqueles que não possuem talento para estrelar no restrito universo artístico. A oitava edição do Big Brother Brasil foi um record, superando os 200 mil inscritos.

Nos Estados Unidos, a lógica dos reality shows com "pessoas comuns" foi por água abaixo e não chama mais atenção do grande público. Por lá, o lance é explorar aspectos ainda mais bizarros da condição humana. A nova aposta da televisão norte-americana é manter sob vigilância celebridades decadentes em uma clínica de reabilitação para drogados e alcóolatras. É o Celebrity Rehab With Dr. Drew, que estreou nos EUA essa semana.

O desafio é largar o vício e ficar sóbrio em rede nacional. O programa começa mostrando os participantes no pleno exercício de seu vício, antes de ir para clínica. Um deles é a atriz Brigitte Nielsen (ex-senhora Silvester Stalone), que mamou uma garrafa de vodca no gut-gut antes de entrar na casa. Outro é o ator Jeff Conaway (da sitcom Taxi, dos anos 70), que está tão emboletado por ter ingerido uma mistura de álcool e comprimidos que sua fala precisa ser traduzida com legendas para o telespectador. Só estão esperando Amy Winehouse parar de vender discos pra mandá-la ao Celebrity Rehab.

Ratos de laboratório − Sabe como nasceu a idéia do Big Brother? Tudo começou quando o empresário John Demol, lendo um artigo na revista Biosphère, teve a idéia de filmar, dia e noite, cobaias humanas em condições similares à de ratos de laboratório. Batizado de Big Brother, o conceito virou show televisivo em setembro de 1999, atraindo 55 % da audiência.

Após sua explosão na Holanda, o programa foi transmitido para 27 países. Hoje, Demol produz em sua empresa, a Endemol, cerca de trezentos programas para o mundo inteiro. Relendo o velho Guy Debord, o esperto John Demol descobriu o grande trunfo teórico que viabilizou a criação do seu programa: "quem fica sempre olhando, para saber o que vem depois, nunca age: assim deve ser o bom espectador".

Os objetivos comerciais do empresário também se espelham em outra justificativa formulada na teoria espetacular de Debord: "O espetáculo é o capital elevado a um tal grau de acumulação que se torna imagem". No caso do Big Brother Brasil, botar sua imagem à venda equivale concorrer a R$ 1 milhão. Mas não é garantido que você vai ganhar. Mesmo assim, vai querer?

sÓ nÃO vALE qUEIMAR*

Idade Média, peste negra, cadáveres de duas cabeças, lobisomens, naves espaciais movidas por partículas psíquicas, planetas remotos, rock. A aparente algazarra de alusões é chave para entender a reputação que escritor italiano Valerio Evangelisti conquistou entre leitores europeus.

Em O Inquisidor, segundo romance dele traduzido pela Conrad Editora, Evangelisti (na foto) engendra uma trama sobre conspirações, heresias e mistérios investigados pelo padre dominicano Nicolau Eymerich.

Em sua obra, o ponto em comum é o claro pendor para gêneros brutais e velozes do rock. Volumes de energia punk e heavy metal pontuam o ritmo dos enredos fantásticos criados pelo autor, que também colabora com a edição italiana da Rolling Stone. (Cristiano Bastos)

Na trilogia O Ciclo do Metal há citações que vão do punk ao heavy metal. Como o rock afeta sua obra?

Alguns momentos fortes saem direto do rock. Às vezes, um trecho de uma música sugere uma visão: góotica, se estou ouvindo heavy metal, ou de ação, no caso do punk rock.

Porque a escolha de Chaos A.D., do Sepultura para estrear sua coluna na Rolling Stone italiana?

Por muito tempo as bandas de metal imitaram os modelos anglo-saxões, incluindo o Sepultura. Mas o álbum Chaos A.D. é muito diferente, com canções inspiradas em por danças tribais e pela realidade social do Brasil. Foi algo novo no metal. A obra-prima veio depois, com Roots, mas Chaos A.D foi o verdadeiro marco que influenciou o metal em todo o mundo.

O heavy metal ainda está vivo e atuante? Qual é seu futuro?

Se velho heavy metal está um pouco cansado, o gênero é grande o suficiente para se renovar. Existem muitas bandas experimentando novos estilos. Na Europa, a mais popular é o Rammstein, da Alemanha, com seu bizarro "dance metal". Mas, em todos os lugares, há músicos trabalhando. Não acho que o metal morrerá tão cedo!

*Entrevista publicada na Revista Bizz, edição de fevereiro de 2006.

iPOD'S 20

As mais pedidas no iPod:

“Yea Yeah Yeah Song” – Flaming Lips (At War Whit the Mistics)
“Next Big Thing” – Dictators (Go Girl Crazy!)
“I Love Rock’n’Roll” - Jesus & Mary Chain (Munki)
“I Hat Rock’n’Roll” – Jesus & Mary Chain (Munki)
“Baby Snakes” – Frank Zappa (Sheik Yerbouti)
“Folsom Prison Blues” – Johnny Cash (Live At Folsom Prison)
“Magical Colors” – Jon Spencer Blues Explosion (Acme)
“I Beg your Pardon” – Kon Kan (Kon Kan)
“Happy Together” – Turtles (The Turtles)
“Special” – Violent Femmes (Blind Leading The Naked)
“Venus” – Television (Marque Moon)
“Último Verão” – Julio Reny (Último Verão)
“Sexx Laws” – Beck - (Midnite Vultures)
“Casino Royale Theme” – Burt Bacharach (Original Soundtrack)
“The Thrill is Gone” – Chet Baker (Deep in a Dream)
“Resolution” – John Coltrane (A Love Supreme)
“Place to Be” – Nick Drake (Pink Moon)
“Caravan” – Van Morrison (Moondance)
“Rocks” – Primal Scream (Dirty Hits)
“Hard Luck” – Undertones (The Best Of Undertones)

a vIDA cOTIDIANA de mAYSA (eM dUAS pARTES)